Par Racha Abazied

Jamais une guerre n’a engendré autant d’images de destruction et de désolation. Diffusés par les médias et sur les réseaux sociaux, des milliers de clichés d’immeubles éventrés, de gravats, cadavres, blessés et d’enfants suffocants ont accompagné les dix années de guerre en Syrie. Parallèlement aux images, d’une crudité parfois insoutenable, on a assisté à une profusion de productions artistiques. Les sites et réseaux regorgeaient littéralement d’expressions artistiques de toute nature, depuis le film jusqu’à l’affiche en passant par le clip, la caricature, la peinture, la sculpture ou le dessin animé. En effet, à partir de 2011 et pendant les dix années qui ont suivi, les artistes, à l’intérieur comme en exil, se sont eux aussi exprimés pour raconter à leur manière ce qui se passait en Syrie.

Mais que peut l’art face à la machine destructive, face aux ravages de la guerre, aux souffrances des victimes ? Presque rien… semble suggérer la profusion d’œuvres lucides nées de cette apocalypse depuis le début de la révolution syrienne en 2011. Mais de ce « presque rien » auquel s’attellent modestement les auteurs de ce brillant ouvrage, a fleuri un foisonnement créatif rarement atteint dans l’histoire de l’art syrien et qui a touché le plus grand nombre. Avec un pinceau, un burin, des collages, parfois une caméra, les artistes se positionnent vis-à-vis d’un monde qui s’effondre, face aux destructeurs, face aux décombres et questionnent ce qui les entoure avec des outils rudimentaires. Comme les deux auteurs, Nibras Chehayed et Guillaume de Vaulx d’Arcy, l’expliquent dans leur introduction, ce « presque rien » devient dès lors le « quantificateur de l’existence adéquat à cet art. Parler du presque rien, c’est affirmer qu’il existe au moins du point du réel qui ne s’identifie pas à la logique destructive. Mais il est aussi le quantificateur de la puissance : l’art syrien oppose un presque rien de beauté et de soin dans un pays devenu brutal, livré au nihilisme du régime et au nihilisme guerrier des groupes djihadistes, aussi bien qu’à la perte de sens provoquée par la compromission de certaines alternatives politiques. » 

Positionnement éthique

Parmi les quelques livres qui se sont intéressés à l’art contemporain syrien post-révolutionnaire, La destructivité en œuvres, essai sur l’art syrien contemporain (Ifpo, 2021) est le premier qui tente d’analyser des œuvres sous l’angle philosophique. Dans cet essai, les auteurs présentent onze œuvres sélectionnées, non parce qu’elles « peinent la Syrie » mais parce qu’elles relatent « ce qui lui arrive », ce qui semble immuable : son président, son régime, ce qui en apparence n’a pas changé, mais qui ne cesse pourtant de se dégrader, se détruire un peu plus à chaque événement. Elles sont reliées entre elles par cette destruction, réelle et effective du monde, par l’effondrement des valeurs et des conditions de vie digne. La fonction de l’art n’est dès lors pas seulement critique, elle a pour objectif de préserver ce qui reste du monde et de proposer un positionnement tant esthétique qu’éthique propre à son époque. Cet art de la destructivité s’inscrit donc dans la disparition et porte en lui la double fonction de maintenir ce qui reste d’un monde évanoui et de montrer l’horizon de son absence. C’est donc autour de l’engagement éthique des artistes que s’organise cet essai. Les œuvres sont ainsi classées en deux parties : celles qui se positionnent vis-à-vis du destructeur, sa physionomie, son être, ce qu’il représente et celles qui se placent du côté de ceux qui subissent la destruction, leur mémoire et pertes.

Les trois premières sont des portraits du tyran. Le visage de la Syrie d’Imranovi, Complot (ou Les trois âges de Bachar) de Mohammad Omran et Le maître des chiens, sculpture de Khaled Dawwa. L’occasion d’étudier cette figure du destructeur œuvrant à la disparition du monde, et se condamnant lui-même à disparaître avec lui. Ainsi, par exemple, Le visage moderne de la Syrie est comparé au portrait de Rodolphe II par Arcimboldo, composé d’un assemblage de fruits et légumes exotiques. À l’inverse, le buste du Président Bachar al-Assad est constitué de débris et de bâtiments en ruine. L’artiste lui restitue ainsi son dû de destructions. Le « visage de la Syrie » n’est autre que celui de son Président, figure immuable régnant sur le chaos qu’il a lui-même engendré et qui compose son être, éliminant par là toute autre possibilité d’existence. Mais si cette figure indétrônable n’existe que par la destruction de la Syrie tout en s’en nourrissant, « une fois que tout sera détruit, le prince de la destructivité ne pourra poursuivre son métabolisme qu’en s’émiettant, qu’en se réduisant en poussière. » 

La quatrième œuvre étudie l’instrument de la destruction : les obus. Revisitées par l’artiste Akram Swedaan à la manière d’un chiffonnier, leurs douilles en sont décorées, embellies par des calligraphies, des arabesques et autres ornementations traditionnelles. Ainsi transformés, ces objets de mort semblent ainsi échapper à leur finalité propre. Contrairement aux trois premières œuvres qui « précipitent le principe destructif », l’artiste tend à maintenir un semblant d’existence, à créer même dans la mort comme pour différer la menace inéluctable. La cinquième œuvre, Le dernier repas de Ghylan Safadi montre, elle, une soirée dénuée de toute trace de « convivialité ». Dans un monde qui disparaît, cette scène de dépravation et son obscénité sont « un mauvais signe, un présage fâcheux », où célébrer la Cène est devenu impossible. Car « les obscènes sont ceux qui craignent le monde et les autres comme des menaces de leur propre préservation ». Leur rapport au monde est tyrannique et leur désir est de demeurer indestructibles, tels les tyrans destructeurs des trois premières œuvres.